¿Cómo puedo convertirme en un mejor actor?

Answer 1

En primer lugar, haz todo lo que puedas para actuar continuamente. Si no puedes jugar en las obras de teatro, toma clases. Y trata de encontrar clases en las que realmente puedas realizar, no clases en las que juegues el juego espejo durante una hora. Si no puedes tomar clases, ve si puedes reunir a algunos amigos una vez a la semana para representar una obra juntos. Solo sigue actuando, actuando actuando.

Asegúrese de haber leído sobre la teoría de la actuación. Mis libros favoritos son –

“El manual práctico del actor” http://www.amazon.com/Practical-…

y los menos conocidos pero brillantes.

“Trabajando en el juego y el rol” http://www.amazon.com/Working-Pl…

Y, para Shakespeare (y definitivamente trabajar en Shakespeare, porque si puedes actuar en las obras de Shakespeare, puedes actuar en cualquier cosa), lee ” Thinking Shakespeare ” http://www.amazon.com/Thinking-S…

Hacer una tonelada de voz y trabajo corporal. Realmente no puedes aprender a usar completamente tu voz y cuerpo de los libros, así que toma algunas clases. ADVERTENCIA: el mundo del teatro está lleno de profesores de mierda, algunos de los cuales son hucksters mientras que otros son simplemente incompetentes. Así que asegúrese de que cualquier clase que pague (con su valioso tiempo y dinero) sea bien recomendada.

Ver:

Además, aprender algunos dialectos. No se limite solo a imitar las escenas de “Monty Python” y las películas de “Pink Panther”. Aprenda la IPA (http://en.wikipedia.org/wiki/Int…), obtenga algunos libros de dialectos y cintas, y estudie. Como mínimo, debería poder hacer American estándar, American Southern, American Western, Irish, Received-Pronunciation British y Cockney. Y debes tener un plan de juego general para aprender nuevos dialectos. Si una obra te llama a hablar con acento en español, debes saber qué recursos necesitas, dónde conseguirlos y cómo usarlos.

Después de haber estado en tres universidades diferentes, soy extremadamente escéptico acerca de la capacitación en actuación en la universidad. Hay buenos programas (como ACA en Washington, DC), pero hay que tener mucho cuidado. Son muy caros y la mayoría de ellos son terribles. Si yo fuera un actor que busca un programa, mi pregunta número uno para todos ellos sería “¿Con qué frecuencia jugaré papeles difíciles en el escenario?” Incluso un programa regular será valioso si constantemente le brinda oportunidades para subir al escenario y actuar, actuar, actuar.

En muchos programas, tienes que hacer una audición para obtener partes, al igual que lo haces fuera de la academia. Si bien las habilidades de audición son importantes, y si bien necesita aprender a hacer una buena audición, lo que sucede en estos programas de “tener una audición” es que los mismos estudiantes obtienen los papeles principales una y otra vez. Así que puedes terminar yendo a una de esas escuelas sin ser echado, o solo en pequeños papeles que no te estiren. He escuchado a los maestros defender esta tontería diciendo que ayuda a los estudiantes a aprender quién tiene talento realmente, que las personas sin talento deberían abandonar y estar agradecidos de que la escuela les ayudó a aprender sobre sí mismos antes de desperdiciar sus vidas intentando algo en lo que no tenían habilidades. . Por esa lógica torcida, la escuela no debería existir. Es solo “enseñar” a la gente lo que aprenderían de todos modos. En realidad, es mucho más barato vivir en Nueva York o Los Ángeles durante un par de años e ir a audiciones que ir a la mayoría de las universidades.

Si a las personas menos capacitadas no se les dan cambios, ¿cómo se supone que deben mejorar?

Aprende historia del teatro y lee muchas obras, tanto antiguas como nuevas. Ver películas (tanto antiguas como nuevas) con grandes actores en ellas. Y si tienes la oportunidad de interpretar a un sirviente o portador de la lanza en una obra con un gran actor a la cabeza, VÉTELO y observa, observa, observa.

Finalmente, y aquí hay algo que las escuelas de teatro no te dicen, aprende otra habilidad. Aprender una habilidad de comercialización. No para que puedas salir del teatro, sino para que puedas permanecer en él. Fui a la escuela de posgrado con mucha gente. Cuando nos graduamos, la mayoría de mis compañeros de clase, algunos de los cuales eran increíblemente talentosos, comenzaron a trabajar en las mesas de espera y trabajaban en empleos temporales “porque no tengo habilidades. Todo lo que sé es actuar”.

Una pequeña fracción de esas personas (y no necesariamente las más talentosas) han podido obtener un trabajo de actuación en curso y remunerado. (Nota: la PERMANENCIA es la clave. Incluso si obtiene un concierto en un espectáculo de Broadway, no podrá pagar el alquiler una vez que se cierre ese espectáculo y, con los alquileres en la Ciudad de Nueva York, es posible que ni siquiera pueda pagar mientras el programa todavía se está ejecutando. Ser contratado como actor NO significa que todavía tendrás un trabajo en un mes.)

La mayoría de esas personas con talento han abandonado el teatro. Aguantaron horribles trabajos diurnos durante un par de años y luego no pudieron más. Es muy malo. El teatro es más pobre por perderlos, y sus maestros les fallaron. Son profesores que deberían haber explicado la VERDAD de la situación del mundo real.

Mientras tanto, trabajé duro para ganar algunas habilidades. Aprendí programación de computadoras. Conozco a una actriz que se certificó como masajista. Incluso si el actuar es lo único que te gusta, piensa en lo que menos te DEJE. ¡Aprenderlo! Ahora es más fácil que en cualquier otro momento de la historia obtener nuevas habilidades. Hay programas de certificación a corto plazo, tutoriales en la web, libros, etc. Use esos recursos y desarrolle un plan maestro sobre cómo se apoyará cuando no reciba trabajo de actuación remunerado.

He escuchado a muchos actores jóvenes decir: “Voy a dar estos tres años, y si no lo he ‘logrado’ para entonces, voy a renunciar”. Bueno, ahora déjalo, es lo que quiero decir. Debería ESPERAR que no lo haya “logrado” en diez años. ¡Ten un plan para eso! El teatro te necesita. Ten un plan que te permita seguirlo. Y si no lo haces en tres años (o diez), no es el teatro el que te envía un mensaje de que no eres lo suficientemente bueno. Eso es solo el teatro que te envía un mensaje de que hay millones de personas buenas para cada parte.

Llevo diez años dirigiendo una compañía de teatro. No genera dinero, pero es muy respetado y no hay peligro de desaparecer. Y tengo un gran día de trabajo que disfruto CASI tanto como disfruto trabajando en el teatro. Si algún día puedo renunciar a ese trabajo y hacer teatro a tiempo completo, eso sería bueno. Pero no es necesario. Estoy totalmente de acuerdo con pasar los próximos 30 años haciendo ambas cosas.

Answer 2

7 PILARES DE ACTUACIÓN

1. El aliento La herramienta número uno con la que cada actor nace es su aliento, solo con el tiempo y los malos hábitos. Olvidamos cómo respirar y debemos aprender de nuevo. Con el tiempo, desarrollará una mayor capacidad pulmonar, se protegerá contra la pérdida de su voz y tendrá acceso a su otro activo más importante, su …
2. La voz El rango emocional completo de un actor está vinculado a su comando (o falta de él) de su rango vocal completo. Al respirar adecuadamente, un actor permite que la respiración respalde la voz, que se libera aflojando el cuerpo y relajando los músculos que se necesitan para optimizar el sonido. Si observas a un bebé, oirás que tienen un rango vocal natural muy completo. Casi todos tenemos la capacidad de acceder a ese rango, pero habitualmente hemos eliminado las octavas de nuestro rango vocal. Como actores, debemos estar siempre listos para acceder a toda nuestra gama de voces, porque una de nuestras tareas principales como actores es acceder a nuestro …
3. EMOCIONES . Como he dicho, un actor no puede acceder a su totalidad de emociones hasta que haya aprendido la técnica de respiración adecuada y haya aprovechado toda la gama de sus voces. La emoción está ligada a la voz, por lo que debemos asegurarnos de que cada parte esté en perfecto estado de funcionamiento. La desventaja de permitir que un personaje se complace con sus emociones es que la emoción DEBE estar vinculada al texto, y no simplemente el capricho o la indulgencia de la propia psique interna del actor. Muchos de los acólitos de Stanislavski enseñaron el concepto de recuerdo de la memoria sensorial, que postula que un actor debe conectarse a su propia confusión interna y crisis personales no resueltas para convocar las emociones necesarias de un personaje. Muchos actores de los métodos de hoy creen en este concepto, pero yo personalmente no me apego a él. Mi sentimiento es que un actor consta de tres partes: su propia experiencia personal, el uso de su imaginación y la historia que se le cuenta en el guión. En última instancia, el texto debe ser el material de origen más importante. Soy de la opinión de que si el guión está escrito lo suficientemente bien, ¡TODO ESTARÁ EN EL LUGAR PARA QUE USTED YA SEA! Eso significa que si inviertes en la motivación y el impulso inquebrantables de tu personaje, persigues tus objetivos utilizando tácticas y estrategias bien diseñadas, y te encuentras con obstáculos y barreras catastróficas para lograr tu objetivo, naturalmente deberías moverte como lo es el personaje. Si te mueven a llorar, entonces llora. Para reír, luego reír. Estás profundamente incrustado en el texto y lo que la historia te está revelando. Un dramaturgo como Shakespeare prácticamente hace todo el trabajo por ti. El lenguaje es muy rico y nutritivo, todas tus emociones son como líneas de subtexto escritas debajo de tu diálogo. Confía en el guión! Habiendo dicho todo eso, no puedes, ni debes, borrarte de la fórmula. La contribución más grande proviene del texto, ¡pero la siguiente porción más grande eres tú! El actor no debería perderse completamente en un papel. Más bien, ese rol debe ser una amalgama del texto, su imaginación y sus propias experiencias. Por eso podemos asistir a un centenar de producciones diferentes de Hamlet , y nunca ver la misma obra dos veces. Cada actor trae su propia personalidad. La emoción que sueltes como actor estará conectada a la tuya, pero no enraizada en una historia de tu propia vida, sino en la realidad del personaje. Cómo lo interpretas, es tu propia personalidad. ¡Eso es parte de lo que hace que actuar sea tan emocionante!
4. La física . Al igual que su voz, su cuerpo es un activo natural con el que todos nacemos. No es una técnica que deba aprender, pero sí necesita aprender cómo optimizar la forma en que su cuerpo puede desempeñarse. En la misma línea que el entrenamiento vocal, los actores aprenden la técnica Alexander y metodologías físicas similares para desaprender todos los malos hábitos que han adquirido a lo largo de su vida. Cosas como una mala postura, encorvarse, inclinar la cabeza, cruzar los pies, poner el peso de un lado u otro, cargar la tensión en los hombros, favorecer las pelotas o los talones de los pies mientras camina, mantener la tensión en toda la cara y muchos más hábitos. Se aprenden, y minimizan el uso efectivo de un actor de sus cuerpos. Cuando permites que la respiración fluya de forma natural, tu cuerpo debería comenzar a adoptar una postura más natural y cómoda. En un mundo ideal, un actor debe pensar en su cuerpo como un recipiente vacío neutral, y su cuerpo debe reflejar ese ideal. Los pies deben estar separados al ancho de los hombros, con el peso distribuido, las manos cayendo sin esfuerzo a ambos lados del torso y las caderas, la cabeza casi flotando en la parte superior del cuello y pensando hacia arriba y afuera, la columna vertebral recta y derecha, y una liberación casi zen de toda la tensión siendo retenido en el cuerpo. El recipiente debe sentirse ligero, ágil y ágil, siempre preparado para ser lo que se vierte en él. Una vez que el texto ingresa al cuerpo, compromete la respiración y la voz, produce pensamiento y emoción, y el cuerpo debe responder a lo que todo eso le está diciendo. ¿Eres viejo? ¿Enfermizo? ¿Ágil? ¿Retorcido? Tu cuerpo debe ajustarse a lo que te digan las palabras.
5. PENSAMIENTO. Un actor debe ser un lector inteligente y un orador compasivo. En los días previos a una actuación, un actor se sirve a sí mismo y al proceso investigando lo más posible sobre … la obra, el dramaturgo, la historia, el escenario, etc. Eso significa leer una variedad de recursos, como biografías, textos históricos, informes policiales, artículos periodísticos, material de fuentes primarias como correspondencia personal y cualquier otro material que el dramaturgo pueda proporcionar. Un actor es una máquina de pensar, con acceso a un pozo profundo de emoción. Pero nunca debe comenzar con la emoción. Un personaje debe comenzar con un pensamiento. Ese pensamiento, y esas reflexiones intelectuales, estrategias, planificación, debate, dudas y todo lo demás, es de donde viene la motivación. La elección de perseguir algo. El intelecto de un personaje está en esa lucha para perseguir un objetivo, enfrentarse a obstáculos aparentemente imposibles, usar tácticas bien pensadas y razonadas para manipular a otro personaje o una situación para alcanzar ese objetivo, y luego, el resultado final de ese compromiso, ya sea El fracaso, el éxito o el estancamiento. La emoción es el resultado de éxito o fracaso, cuando ha utilizado su intelecto y todos los recursos a su disposición para obtener su objetivo. La emoción está arraigada en el pensamiento y está ligada al texto. Por eso creo firmemente que usar el recuerdo de la memoria sensorial u otros métodos que sacan a un actor del texto, no sirven a la obra y son indulgentes y contraproducentes para contar la historia como está escrita. (EN MI HUMILDE OPINIÓN)
6. AUDIENCIA . Para muchos de nosotros, nos enseñaron a ignorar a la audiencia y fingir que no están allí. Personalmente, no creo que esta sea una táctica útil y minimice la importancia que la audiencia juega para que un espectáculo sea un éxito. Enfatizaré que un actor nunca debe complacer a la audiencia, como el asalto descarado para hacer que la audiencia se ría con más fuerza y ​​solo se sirvan a sí mismos a través de la gratificación instantánea y la validación renovada. Los actores no deben necesariamente hacer todo lo posible para dar forma al espectáculo a los caprichos y caprichos de la multitud. Ese es un escenario de perder-perder, y el elenco nunca ganará esa batalla. Además, todos debemos aceptar el hecho de que cada audiencia paga, y pagaron la misma cantidad una noche, al igual que otra. Merecen obtener el mismo programa, independientemente de cuál sea su estado de ánimo. Algunas noches y el público responde y se ríe o llora por todo. Otras noches, es como los grillos que hay. Este tipo de comportamiento esquizofrénico mercurial de una audiencia puede desconcertar a un actor, especialmente a los jóvenes e inexpertos. Independientemente de cómo estén reaccionando, cada audiencia merece el mejor espectáculo que puede ofrecerles. Aquí es donde entran. Algunos programas tienen la intención de ser representativos , utilizan la cuarta pared, y los actores tienen la intención de ignorar a la audiencia, como si fuesen bienvenidos, observando una parte de la vida. Otros espectáculos son de presentación y los actores a menudo miran directamente a la audiencia en una dirección directa y les hablan, como si estuvieran en nuestra sala de estar. Ambos estilos están bien y dependen totalmente de las necesidades de la obra. Sin embargo, como actor, siempre debes usar la energía de la multitud, incluso si son silenciosos y taciturnos. Todavía viven, respiran seres humanos, tienen energía para ser aprovechados y respiran para compartir con ustedes. Confía en ellos. En última instancia, una audiencia siempre quiere ver a un actor triunfar. Eso no quiere decir que nuestros malhumorados locos de la televisión no anhelan los errores y el drama, pero durante una actuación, generalmente queremos ver el drama como sucede a los personajes, no a los actores. Ponga su confianza en ellos y confíe en que ellos tienen sus mejores intereses en el corazón. Quieren ser transformados, y verlos transformarse frente a ellos. Piense en el público como lo que llaman el “12 Hombre” en el fútbol. Los fanáticos están ahí para apoyar a su equipo, por lo que es como tener un jugador adicional en su equipo y en el campo. El 12 jugador. Si piensa que el público es solo otro artista o espectador en la sala de ensayo, se dará permiso para correr riesgos y exponerse por completo. Solo así podrás lograr …
7. ESCUCHAR LA VERDAD Y HABLAR LA VERDAD. La verdad es ese lugar donde el texto del guión, la imaginación del actor y las experiencias personales del intérprete se entrecruzan y chocan maravillosamente en el escenario. Es cuando un actor confía en los espectadores y se da permiso para decir las palabras como si las estuvieran diciendo por primera vez, aprendiendo lo que el personaje aprende, tal como lo hace la audiencia. No solo se trata de escuchar lo que el público te está dando y la respiración con la que te apoyan, sino de escuchar lo que el texto te está diciendo. Escucha las palabras a medida que pasan por tu cuerpo. Sigue el pensamiento, compromételo, persigue el objetivo, responde al conflicto con una emoción sincera y honesta. Usted es un recipiente vacío, y debe permitir que se disipen las emociones antiguas, y que una nueva emoción llene su recipiente. Quizás el último componente clave que tiene como recurso y que debe escuchar es el de sus compañeros actores en el escenario. Actuar tiene tanto que ver con REACCIÓN como con cualquier otra cosa, y es vital que limpies tu cuerpo de distracciones y dolencias físicas que puedas estar experimentando con el actor, para que puedas ser ese recipiente vacío y recibas abiertamente las palabras de tu compañero de escena, y reaccionar en consecuencia. Debe escuchar activamente y responder a lo que le están dando, no a lo que quiere que digan o hagan, o incluso a lo que cree que dice el texto. El dramaturgo no está allí, y lo más probable es que el director también. Todo lo que tienes es el texto, la audiencia y tu compañero de escena. Si no escuchas y respondes con sinceridad, es probable que la audiencia lo sepa, que tu compañero de escena sea arrojado, y corres el riesgo de juzgar a ti mismo tu falsedad y lamentarte no estar en el momento. Actuar conlleva hazañas heroicas de concentración y enfoque intenso, todo mientras se trata de permanecer suelto y libre de tensión. La verdad solo puede venir de la alineación de todas las cosas de arriba … la respiración, la voz, el cuerpo, el pensamiento, la emoción y la audiencia. Una vez que te rindas a todo eso y utilices tu corazón, mente y cuerpo en todo su potencial, la verdad llegará sin esfuerzo, y en ese momento, tú, tus compañeros actores y todas las personas que tengan la suerte de presenciar esa actuación, Será transportado y transformado en un instante, y nunca más lo mismo.

¡Romper una pierna!