10. Goodfellas
Henry Hill fue interpretado en Goodfellas por Ray Liotta, en el centro, con Frank Adonis y John Manca. Fotografía: Rex
¿Ha hecho Martin Scorsese una película mejor en las últimas dos décadas que la visión de este visceral de la existencia de la mafia de Nueva York, extraída de la historia de la vida real de Henry Hill? Independientemente de lo que haga de su moral, y de la acusación de que engrandece a la mafia, es difícil negar el poder explosivo de Goodfellas, aún no disminuido 20 años después de su lanzamiento. El encanto de la mafia es precisamente de lo que trata la película. Henry Hill, de Ray Liotta, lo dice fuerte y claro desde el principio: “Desde que tengo memoria, siempre quise ser un gángster. Para mí, ser un gángster era mejor que ser presidente de los Estados Unidos”.
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Para este joven, medio siciliano, medio irlandés, que crece en un empobrecido Brooklyn, unirse a la mafia local abre un mundo donde todo existe para ser tomado. Significa trajes afilados, coches de destello, relojes de oro, mujeres hermosas. Significa ser capaz de ignorar la línea en el Copacabana y pasar por las cocinas con tu novia mientras te preparan una mesa, una escena que Scorsese desarrolla en un magistral disparo de seguimiento de 184 segundos, uno de los más famosos en cine. La fotografía, de Michael Ballhaus, es uno de los muchos placeres aquí. La edición de Thelma Schoonmaker, notable por su uso de cortes de salto y fotogramas congelados, le da a esta película de dos horas y media su velocidad de blister.
El elenco de ensamble es magnífico, particularmente Robert De Niro como el mentor de Henry Jimmy Conway y, en un giro alegremente desagradable, Joe Pesci como su compañero en el crimen, Tommy DeVito. DeVito muestra cuán instantáneamente la buena vida puede dar paso a una violencia horrible. Y la trayectoria de Henry a través de la película, mientras se sumerge en el uso de drogas y la paranoia a finales de los 70, revela una visión de criminalidad más sombría. Pero la impresión dominante que nos queda es el irresistible atractivo de ser un gángster. Es conducido a casa en la escena final con Henry, en la protección de testigos, lamentando la terrible situación de vivir como un “nadie promedio”. Esto, dependiendo de su punto de vista, es el defecto fatal de la película, o su golpe maestro. Killian Fox
9. Oculto
Oculto se abre con un tiro largo y estático de una casa en una calle tranquila de París. Rollo de créditos. Muy poco sucede. Un disparo más cercano muestra a una pareja saliendo de la casa, y la cámara persigue al hombre. Oímos un intercambio conciso. En la pantalla, la película avanza rápido y repentinamente, de manera desconcertante, nos damos cuenta de que hemos estado viendo un video de vigilancia. La cinta apareció, sin explicación, en la casa de la pareja que vimos en la pantalla, y la están viendo con nosotros. Son Georges (Daniel Auteuil), un conocido intelectual de la televisión, y su esposa Anne (Juliette Binoche), una editora de libros. El video es inmediatamente interpretado como una amenaza. Llegan más cintas, junto con dibujos de crayones que representan escenas de violencia sangrienta. El efecto de estas intrusiones es singularmente inquietante, y Oculto se despliega con el aire temeroso de un thriller, pero evita la mayoría de las convenciones del género. La música dramática está ausente. El único momento verdaderamente impactante de violencia llega sin una acumulación de suspenso, y la víctima es quien menos esperamos que sea.
Una cinta lleva a Georges al apartamento en ruinas de un hombre argelino llamado Majid, a quien Georges conocía de niño. Resulta que Georges es responsable de cómo ha ido la vida de este hombre, y su culpa apunta al malestar más generalizado en la sociedad francesa con respecto a la guerra de Argelia. La película interroga las actitudes occidentales hacia el mundo musulmán, exponiendo cómo el miedo también se basa en la culpa y los recuerdos reprimidos. El subtexto político nunca resta efecto al escalofriante efecto dramático de la película y al aire de intriga, que se intensifica en la escena final. KF
8. Pulp Fiction
Uma Thurman y John Travolta en Pulp Fiction (1994) Fotografía: c.Miramax / Everett / Rex Features
1994 fue el año de Quentin Tarantino. Con audiencias tambaleándose por el impacto de Reservoir Dogs dos años antes, el manto del mejor director de cine del mundo fue el suyo. Su segundo largometraje, el ambicioso pero extrañamente emocionante thriller Pulp Fiction, se estrenó en Cannes, donde el jurado de Clint Eastwood lo otorgó la Palma de Oro. Un año más tarde, recaudó $ 213 millones, se enfrentó a Forrest Gump en los premios de la Academia y plantó una biblioteca completa de referencias extravagantes y líneas citables en las cabezas de cinemagoers susceptibles. No sería exagerar el caso llamarlo un fenómeno.
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Tarantino y su antiguo colega de la tienda de videos, Roger Avary (que obtuvo un crédito de “historia por”) inventaron la idea de una película de crimen de portmanteau. Pero el toque mágico de la imagen es la estructura anticronológica que permite que sus tres historias se crucen de formas inusuales, por lo que la historia final es anterior a la primera, y un personaje que muere en la historia intermedia reaparece al final, alejándose hacia una desaparición Lo hemos presenciado, pero sobre el cual no puede tener ningún indicio posible. En el primer capítulo, dos sicarios, Vincent (John Travolta) y Jules (Samuel L Jackson), toman posesión de un misterioso maletín antes de que Vincent pase a acompañar a la novia de su jefe (Uma Thurman) en una noche que se sale de control. La segunda historia sigue a un boxeador, Butch (Bruce Willis), cuyo fracaso para lanzar una pelea según las instrucciones lo lleva a un territorio que podría razonablemente ser descrito como infernal. El episodio final tiene un aire inesperado de comedia cuando Vincent y Jules recurren a un especialista de limpieza llamado The Wolf (Harvey Keitel) cuando un arma mal encendida deja un desagradable lío en la parte trasera de su auto. Todo esto está respaldado por escenas en un restaurante que está siendo sostenido por dos delincuentes jóvenes excitables (Tim Roth y Amanda Plummer).
Para bien o para mal, la película hizo posible el largo reinado de Miramax, revivió la carrera de Travolta y ratificó la reputación de Tarantino. La familiaridad con la caja de trucos del director ha generado un toque de desprecio, pero se está volviendo más fácil, ahora que el bombo se ha disipado, para ver la película por lo que realmente es: un audaz intento de fusionar la chutzpah visual y la narrativa expansiva, películas y música. , arte y basura. Es un verdadero hecho aislado. Ryan Gilbey
7. Consigue a Carter
OBTENER CARTER (1971) Pers: CAINE, MICHAEL / MOSLEY, BRYAN Año: 1971 Dir: HODGES, MIKE Ref: GET001CJ Crédito: [MGM / THE KOBAL COLLECTION] Fotografía: The Kobal Collection / http://www.picture-desk.com
A una distancia de casi 40 años, Get Carter tiene tanto valor como un pedazo de historia social como un thriller. La Tyneside que retrata no es una de las despedidas de soltero en el mercado de Bigg, sino la pobreza que mata a Newcastle y sus habitantes en un gris ineludible e insoportable. A veces, también, parece que Mike Hodges ha lanzado a sus actores a la vida real: los rostros de los viejos en los pubs y tiendas de apuestas, y los juerguistas en el dancehall llevan la película a algo parecido a cinéma verité, incluso cuando El caos estalla en primer plano.
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Sin embargo, como un thriller, es más frío y brutal que cualquier cosa que el cine británico haya producido antes o después; su estado de ánimo es tan inflexible que el espectador ni siquiera se pregunta si Michael Caine realmente podría ser un capataz Geordie que regresa a casa para el funeral de su hermano. Hay humor, pero es tan sombrío que causa más muecas que risas: cuando el esposo de la amante de Carter (interpretado por Britt Ekland) aparece cuando tiene sexo por teléfono con Carter, él pregunta, desconcertado: “¿Qué te pasa? Tienes problemas en el estómago” ¿o algo?” Eso es del todo apropiado con respecto al tema, ya que cuando Carter investiga la muerte de su hermano, descubre que el sindicato del crimen local obligó a la hija del hombre muerto a hacer películas pornográficas, haciendo que Carter siguiera un camino de venganza.
En el centro de todo está Caine, que juega con una autoridad tan fría que incluso sus momentos más divertidos: “Eres un hombre grande, pero no estás bien. Conmigo es un trabajo de tiempo completo. Ahora compórtate”, retener su amenaza, cuando unos años más tarde podrían haberse volcado en la autodominación. Es ayudado por un elenco de apoyo de primera categoría, con el dramaturgo John Osborne como un pandillero poco probable pero totalmente convincente, y el pilar del futuro Coronation Street Bryan Mosley como el desventurado Cliff Brumby, quien hace una de las salidas más notables del cine británico, desde Los pisos superiores del aparcamiento de Trinity Square en Gateshead.
Ver Get Carter ahora es como leer relatos de los primeros occidentales en cruzar el desierto de Gobi: ¿existió este mundo alguna vez, y en tiempos tan recientes? Parece totalmente alejado de la Gran Bretaña del siglo XXI, a pesar de que sus temas de sexo forzado y absoluta amoralidad suenan con temores contemporáneos. Michael Hann
6. Doble Indemnización
Doble indemnización. Fotografía: Ronald Grant Archive
Cameron Crowe calificó a Double Indemnity de “creación de películas impecable”. Woody Allen lo declaró “la mejor película jamás hecha”. Incluso si no puedes aceptar eso, no se puede negar que es el mejor cine negro de todos los tiempos, aunque se hizo en 1944, antes de que se acuñara el término cine negro. Adaptando a la novela de James M Cain de 1935 sobre un vendedor de seguros con una flecha recta, tentado a asesinar por un ama de casa duplicada, el director de género saltando Billy Wilder reclutó a Raymond Chandler como coautor. Chandler, dijo Wilder, “era un desastre, pero podía escribir una frase hermosa”. El estilo visual de Noir, que tenía sus raíces en el expresionismo alemán, se forjó aquí, aunque Wilder insistió en que iba por un efecto de “noticiero”. “Teníamos que ser realistas”, dijo. “Tenías que creer la situación y los personajes, o todo estaba perdido”.
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Y lo hacemos. Fred MacMurray, que se había especializado en gran parte en comedia hasta ese momento, fue una elección inspirada para interpretar al gran narcotraficante Walter Neff, quien narra el lamentable desastre en el flashback, y se pregunta: “¿Cómo podría haber sabido que el asesinato a veces puede oler a madreselva? ” Edward G Robinson es arrollado y carismático como el colega de Neff, un ajustador de reclamos que deshace el plan de la pareja. Pero el as en el agujero es Barbara Stanwyck como Phyliss Dietrichson, una visión de la amoralidad en una “miel de tobillo” y una peluca de platino. Ella puede bajar sus gafas de sol y hacer que se vea como la última palabra en el deseo depredador. Y ella no es solo una vampira: es una psicópata. Hay pocas tomas en el cine tan escalofriantes como el primer plano del rostro de Stanwyck cuando Neff despacha al marido de Phyliss en el asiento trasero de un automóvil. Las inquietantes cuerdas de Miklós Rózsa nos dicen a lo largo de la imagen: cuidado. Stanwyck se había mostrado reacio a asumir el papel y confesó: “Tenía un poco de miedo”. Wilder le preguntó si ella era una actriz o un ratón. Cuando ella optó por lo primero, él respondió: “Entonces toma el papel”. RG
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